سبک هایپررئالیسم

هایپررئالیسم سبکی در نقاشی‌ و مجسمه سازی می باشد که اثر خلق شده توسط هنرمند شباهت زیادی به عکس با کیفیتی بسیار بالا دارد.

هایپررئالیسم در واقع سبکی از نقاشی است که از هنر عکاسی الهام می گیرد. در این گونه نقاشی ها، شما شاهد عکس هایی حاوی چهره انسان یا اشیای کشیده شده هستید. هایپررئالیسم به سبکی از نقاشی گفته می شود که جزئیات دقیق تصویر کشیده می شود و حالت فرا واقعی پیدا می کند.

نقاشی های هایپررئالیسم بیش‌تر شبیه عکس هستند تا تصویر. به گونه‌ای که شما با دیدن این تصاویر، مرز بین نقاشی و عکس را نمیتوانید تشخیص بدهید و گم خواهید کرد .

در حقیقت، نقاشی‌ها و مجسمه‌هایی که توسط هنرمندان هایپر رئالیست خلق می شوند تفاوتی با عکس‌های وضوح بالا ندارند.

هنرمند در این جنبش توانسته آنچه را که واقعی است، با آنچه غیرواقعی است به خوبی در کنار هم قرار دهد.
در حالیکه تصویر بربوم از دقت خاصی که آشکارا قابل درک می باشد برخوردار است، هنرمند نیز به جای دیدن مستقیم مضمون، اثرش را بر پایه عکاسی بوجود آورده است. بنابراین اثر او از لحاظ واقعیت و به لحاظ استعاری کمی فاصله دارد.از زمان اختراع عکاسی در اوایل قرن 19 هنرمندان از دوربین در جهت گرفتن تصاویر استفاده کرده اند،
با این حال هنرمندان هیچ گاه در نقاشی های خود نقش عکاسی را آشکار سازی نکردند چون آنرا به نوعی (تقلب) می دانستند.

تصاویر هایپر رئالیستیک به طور معمول 10 تا 20 برابر بزرگتر از اندازه منبع اصلی میباشد و از وضوح بالا در رنگ، دقت و جزییات برخوردار هستند. در بسیاری از نقاشی‌های سبک هایپر رئالیسم، از رنگ پاش و رنگ‌های اکریلیک، روغنی و یا ترکیبی از هر دو استفاده شده است .

فتورئالیست

کلمه «فوتورئالیسم» اولین بار در سال ۱۹۸۶ توسط لوئیس کی‌. مِیسِل به کار گرفته و در سال ۱۹۷۰ در کاتالوگ نمایشگاه «بیست و دو رئالیست»  موزه ویتنی دیده شد. این شیوه همچنین با برچسب‌هایی از قبیل سوپررئالیسم، نئورئالیسم، شارپ فوکوس رئالیسم و یا‌ هایپررئالیسم خوانده می‌‌شود.

به عنوان یک سبک هنری کاملا بالغ و پخته، فوتورئالیسم همانند ابسترکت اکسپرسیونیسم و مینیمالیسم، زیرمجموعه هنر مردمی یا همان پاپ آرت است که در اواخر دهه شصت میلادی ظهور کردند.

فوتورئالیسم سبکی است در نقاشی‌ که هنرمند از عکس برای خلق اثرش بهره می‌گیرد، این لفظ درابتدا به نقاشان امریکایی جنبشی که در اواخر سال ۱۹۶۰ و ابتدای ۱۹۷۰ آغاز شد اطلاق شد.

فتورئالیست ها نه تنها وابستگی شان را انکار نکرده، بلکه همواره تولیدات انبوه دنیای مدرن و ارتقاء هنر عکاسی را مورد تحسین و امتنان قرار دادند.

بنابراین اینطور به نظر می رسد که با اینکه تصویر یا اثر نهایی بر بوم به ظاهر بسیار واقعی است،اما یک قدم از واقعیت دور است چون تصویری دوباره تولید شده است.این هنرمندان همچنین با استفاده از دستگاه های اسلاید توانستند برای بار نخستین؛رنگ و نور را در کنار هم تلفیق کرده و آنها را به یک عنصر تبدیل کنند.
از نخستین فتورئالیست ها می توان به چاک کلوز، دان ادی، ریچارد استس، رالف گوئینگز، رابرت بچل، آدری فلک و دنیس پترسون اشاره کرد.

مقاله پیشنهادی : 10 نکته که راجع به اثر “مونا لیزا” نمی دانستید !

معرفی قلم موهای نقاشی

معرفی قلم موهای نقاشی و بررسی انواع مختلف آنها

قلم موهای نقاشی هنرمندان سایزها، شکل ها و موهای متنوعی دارد. در این راهنمای تصویری در رابطه با اشکال مختلف قلم موهای نقاشی هنری و کاربردهای آنها بیشتر اطلاعات کسب کنید و سپس آنها را در کارهای خلاقانه ی خود به کار ببرید.

  1. چگونه اندازه‌ی یک قلم موی نقاشی هنری مشخص می شود؟

اندازه‌ی یک قلم موی نقاشی

اندازه‌ی قلم مو بر اساس عددی که بر روی دسته ی درج شده است مشخص می شود. این ارقام از 000 شروع می شوند و سپس به 00، 0، 1، 2 و بالاتر می رسند. هرچه این رقم بالاتر باشد، قلم مو نیز بزرگ تر و پهن تر است.

متاسفانه در بین تولید کنندگان قلم مو اتفاق نظر کمی در رابطه با سایز دقیق قلم موهای نقاشی وجود دارد و به همین جهت سایز 10 یک برند می تواند متفاوت از سایز 10 برندی دیگر باشد.

  1. اطلاعاتی در مورد سایزهای یکسان قلم مو در برندهای مختلف

سایز قلم موی نقاشی

چه باورتان بشود و یا نه، هر دو قلم موی موجود در عکس سایز 10 هستند. در واقع تفاوت در سایز همیشه تا این حد زیاد نیست و این دو قلم مو برای توضیح بیشتر نکته ی مد نظر ما در نظر گرفته شده اند.

اگر قلم موهای نقاشی را از داخل کاتالوگ یا به صورت آنلاین می خرید و قلم موها مربوط به برندی هستند که با آن آشنایی ندارید، بررسی کنید تا ببینید آیا عرض دقیق آنها بر اساس اینچ یا میلی متر مشخص شده است یا خیر. پس فقط به سایز قلم مو اکتفا نکنید.

  1. ضخامت قلم مو

ضخامت قلم موی نقاشی

برندهای مختلف قلم موهای نقاشی با اینکه انتظار می رود طبق عددی که بر روی آنها درج شده است دارای یک سایز باشند، نه تنها در سایز متفاوت اند بلکه در ضخامت نیز تفاوت دارند. اگر قلم مو را از داخل کاتالوگ و یا به صورت آنلاین می خرید و با برند مورد نظر آشنایی ندارید این نکته را به یاد داشته باشید.

اگر با آبرنگ یا رنگی که خیلی آبکی است نقاشی می کنید، یک قلم موی ضخیم به شکل قابل توجهی رنگ بیشتری را در خود نگه می دارد. این کار به شما امکان این را می دهد که بدون توقف برای مدت بیشتری به نقاشی بپردازید. اما اگر برای تکنیک های خشک به یک قلم مو نیازمندید، احتمالا به قلم مویی نیاز دارید که رنگ کمتری را در خود نگه دارد.

  1. اجزای مختلف قلم موهای نقاشی هنری

اجزای قلم موی نقاشی

زمانی که یک قلم مو را انتخاب می کنید هر بخش از آن را به دقت بررسی کنید. تمام متغیرهای موجود می توانند کار شما را تحت تاثیر قرار دهند.

دسته ی قلم مو اغلب از چوب رنگ شده یا جلایافته تشکیل شده است اما ممکن است از پلاستیک یا بامبو نیز ساخته شود. طول قلم موهای نقاشی از کوتاه (مثل قلم موهایی که در جعبه های سفری قرار دارند) تا بلند (انواع مناسب برای بوم های بزرگ) متغیر است. چیزی که از طول قلم مو مهمتر است، راحتی آن در دست شماست. شما از این قلم مو زیاد استفاده خواهید کرد و بنابراین باید در دست گرفتن آن راحت باشد.

تارها یا موهای قلم مو نیز بسته به اینکه قلم مو برای چه منظوری مورد استفاده قرار بگیرد، متفاوت اند. مهمترین نکته این است که این موها محکم باشند و زمانی که نقاشی می کنید، نریزند.

فرول بخشی است که دسته و موها را به هم متصل نگه می دارد و به آنها شکل می دهد. این بخش معمولا از فلز تشکیل شده است گرچه در تمام قلم موها فلزی نیست. برای مثال قلم موهای پر مو می توانند دارای فرول پلاستیکی و سیمی باشند. یک فرول با کیفیت زنگ نمی زند و شل نمی شود. نوک قلم مو انتهای موها را تشکیل می دهد در حالی که قسمت پاشنه قسمتی است که تارها از انتهای دسته به داخل فرول می روند (معمولا تا قلم مو را باز نکنید نمی توانید این قسمت را مشاهده کنید). قسمت شکم قلم مو همانطور که از اسم آن بر می آید ضخیم ترین قسمت آن است (این بخش در قلم موهای گرد بیش از قلم موهای مسطح قابل مشاهده است.) شکم بزرگ بر روی یک قلم موی گرد آبرنگ، شما را قادر می سازد تا مقدار زیادی از رنگ را بردارید.

  1. قلم موی فیلبرت

قلم موی نقاشی فیلبرت

فیلبرت یک قلم موی باریک و مسطح است و موهای آن یک مرکز دایروی را شکل می دهند. این قلم مو زمانی که از کنار استفاده می شود یک خط باریک را بر جای می گذارد و زمانی که از طرف مسطح خود مورد استفاده قرار بگیرد یک رد پهن از خود بر جای می گذارد. در زمان استفاده از فیلبرت بر روی بوم زمانی که فشار بر روی این قلم مو تغییر کند و یا با آن بر روی بوم ضربه زده شود، می توانید یک رد نوک تیز بر جای بگذارید.

اگر موهای قلم مو از موی اسب یا موی بلند باشند به مرور زمانی که استفاده می شوند فرسوده می شوند. این عکس نمای جلویی و کناری یک فیلبرت خیلی کهنه و یک فیلبرت نو که تا به حال استفاده نشده است را نشان می دهد.

فیلبرت قلم مویی است که شکل آن مورد پسند بسیاری است چرا که می تواند طرح های متنوعی را ایجاد کند. فیلبرت شماره 10 رایج ترین نوع آن است. فیلبرت های کهنه‌ی خود را دور نیندازید آنها را برای قلم زنی های خشک استفاده کنید چراکه در این صورت نگران این نخواهید بود که با ضربات محکم موهای قلم مو بیرون بیایند.

  1. قلم موی گرد

قلم موی نقاشی گرد

قلم موی نقاشی گرد سنتی ترین شکل قلم مو است و چیزی است که اکثر مردم در زمان فکر کردن به قلم موهای نقاشی هنری در ذهن دارند. یک قلم موی گرد مناسب دارای یک نقطه ی تیز در سر موهای خود است و به شما این امکان را می دهد که با آن خطوط ظریف و جزئیات را بکشید؛ خصوصا اگر این قلم مو با کیفیت باشد و از موی سمور کولینسکی ساخته شده باشد. به دنبال قلم مویی باشید که موهای آن خاصیت ارتجاعی خوبی داشته باشند و پس از اینکه فشار را از روی آن بر می دارید به سرعت به حالت صاف قبلی بازگردد. قلم موی گرد موجود در عکس دارای موهای مصنوعی است و حتی در زمانی که کاملا نو بوده است نوک آن کاملا ظریف و تیز نبوده است. اما چنین قلم مویی برای برای ایجاد طرح های وسیع مناسب است چراکه خیلی نرم است و میزان زیادی از رنگ های مایع را در خود نگه می دارد. همیشه در نظر داشته باشید که قصد دارید با قلم مو چه کاری را انجام دهید. انتظارات غیر واقع بینانه نداشته باشید چراکه در این صورت اذیت خواهید شد و ابزار خود را به خاطر نقاشی بدی که حاصل می شود، مورد سرزنش قرار خواهید داد.

  1. قلم موی مسطح

قلم موی نقاشی مسطح

قلم موی مسطح همانطور که از اسم آن پیداست، قلم مویی است که موهای آن به صورتی در کنار هم قرار گرفتند که قلم مو پهن است اما ضخامت چندانی ندارد. موهای قلم مو می توانند اندازه های متفاوتی داشته باشند و برخی دارای موهای بلند و برخی دیگر دارای موهای بسیار کوتاه هستند (قلم موی مسطحی که دارای موهای بسیار کوتاه است با نام قلم موی مربعی نیز شناخته می شود). زمانی که یک قلم موی مسطح می خرید به دنبال قلم مویی باشید که موهای آن خاصیت ارتجاعی داشته باشد و زمانی که آنها را به نرمی خم می کنید به سرعت به جای اولیه‌ی خود بازگردند.

یک قلم موی مسطح نه تنها طرح های وسیع ایجاد می کند بلکه در صورتی که آن را بچرخانید و با لبه‌ی باریک آن نقاشی کنید می توانید طرح های باریک نیز ایجاد کنید. قلم مویی که دارای لبه‌ی کوتاه و باریک باشد برای طرح های کوچک و دقیق مناسب است. میزان رنگی که یک قلم موی مسطح در خود نگه می دارد به موهای آن و اندازه‌ی آنها بستگی دارد. یک قلم موی مسطح با موهای کوتاه و مصنوعی از یک قلم موی بلند که دارای موهای مخلوط یا طبیعی است رنگ کمتری را نگه می دارد. قلم موی مسطح موجود در عکس موهای بلندی دارد که رنگ را به خوبی در خود نگه می دارند و شق و رق هستند و برای ایجاد طرح هایی که دوست دارید در نقاشی خود به جای بگذارید ایده آل هستند.

  1. قلم موی ریگر یا لاینر

قلم موی نقاشی ریگر

قلم موی ریگر یا لاینر قلم موی باریکی است که تارهای بسیار بلندی دارد. این تارها ممکن است نوک تیز قلم مو را شکل دهند و یا دارای لبه‌ی مربعی مسطح باشند (اگر قلم مو زاویه دار باشد اغلب قلم موی اسورد نام دارد.) قلم موهای نقاشی ریگر برای ایجاد خطوط ظریف با پهنای یکسان مناسب هستند و این کار آنها را به یک انتخاب ایده آل برای کشیدن شاخه های باریک درختان، بادبان قایق و یا سیبیل گربه تبدیل می کند. همچنین این قلم موهای نقاشی برای امضای نام شما بر روی نقاشی مناسب اند.

  1. قلم موهای اسورد

قلم موی نقاشی اسورد

قلم موی اسورد کمی شبیه به قلم موی تریگر یا لاینر است اما به جای اینکه تیز باشد دارای یک زاویه‌ی شیبدار است. می تواند تنها با استفاده از نوک این قلم مو خطوط بسیار ظریفی را رسم کنید و یا با در دست گرقتن قلم مو به شکلی که تعداد بیشتری از موهای آن سطح را لمس کنند خطوط پهن تری را رسم کنید. بنابراین تعجبی نیست که به این قلم مو استرایپر نیز می گویند (یعنی قلم مویی که خطوط باریک ایجاد می کند)

با چرخاندن قلم مو در دست در حین اینکه آن را روی سطح حرکت می دهید و با بالا و پایین کردن آن می توانید طرح های روان خطاطی کنید. اگر قلم مو را به حالت شل در دست بگیرید و آن را به سرعت در روی سطح حرکت دهید و تا حدی بگذارید هر طرحی که می تواند را ایجاد کند می توانید یک طرح نمایشی و بی زحمت ایجاد کنید. برای مثال این یک راه عالی برای رسم شاخه های درختان است.

  1. قلم موی ماپ (محو کن)

قلم موی نقاشی ماپ

همانطور که از اسم این قلم مو مشخص است میزان زیادی از رنگ مایع را در خود نگه می دارد. این قلم مو نرم و شل است و برای طرح های آبرنگی بزرگ ایده آل است. زمانی که کارتان تمام می شود حتما زمان بگذارید تا این نوع قلم موهای نقاشی را کاملا تمیز کنید. تمیز کردن چنین قلم موی پر مویی کاری نیست که بتواند با عجله صورت گیرد.

  1. قلم موی بادبزنی

قلم موی نقاشی بادبزنی

قلم موی بادبزنی قلم مویی است که لایه ای نازک از مو دارد که از داخل فرول به سمت بیرون پخش شده اند. یک قلم موی بادبزنی معمولا برای ترکیب رنگ ها مورد استفاده قرار می گیرد اما برای طراحی مو، چمن و یا شاخه های نازک نیز عالی است. با این حال باید دقت کنید که طرح های واضح یا مکرر ایجاد نکنید تا طراحی غیرطبیعی به نظر نرسد.

کاربردهای ممکن قلم موی بادبزنی عبارتند از:

نقطه گذاری (ایجاد نقطه های کوچک یا خطوط کوتاه)

ایجاد هایلایت در مو، چراکه این قلم مو می تواند تصور این را ایجاد کند که تارهای مو به تصویر کشیده شده اند.

صاف کردن و ترکیب نقش های طراحی

طراحی درخت و چمن

  1. واتربراش: حد واسط قلم مو و خودنویس

قلم موی نقاشی واتربراش

واتر براش شبیه به ترکیب خودنویس و قلم مو است. واتر براش دارای یک سری قلم مویی و یک دسته‌ی پلاستیکی مخزن دار است که آب را نگه می دارد. این دو بخش به یکدیگر پیچ شده اند و به راحتی از هم جدا می شوند. زمانی که از قلم مو استفاده می کنید، میزان کمی از آب به صورت مستمر از موهای آن پایین می آید و می توانید با فشار دادن مخزن آب بیشتری را خارج کنید.

واتر براش یک انتخاب ایده آل برای استفاده از رنگ های آبرنگی و مدادهای آبرنگی است که می تواند مستقیما رنگ را از آنها به خود بکشد. تولیدکنندگان مختلفی واتربراش هایی در اندازه های گوناگون و به شکل گرد یا مسطح ایجاد می کنند. اگر مغازه‌ی ابزار هنری محله تان از این واتربراش ها ندارد، بسیاری از فروشگاه های آنلاین آن را موجود دارند. واتربراش ها برای نقاشی در طبیعت به همراه یک ست آبرنگ مناسب اند چراکه دیگر نیازی نیست یک ظرف حاوی آب به همراه داشته باشید. برای تمیز کردن قلم مو به سادگی آن را فشار دهید تا آب بیشتری از آن خارج شود و سپس با یک دستمال آن را پاک کنید. برای تمیز کردن قلم مو به آب زیادی نیاز نیست اما پر کردن دوباره‌ی مخزن با آب شیر یا بطری آسان است.

برندهای مختلف، کمی متفاوت عمل می کنند. برخی از آنها جریان ساده تر و مستمری از آب دارند و برخی دیگر به فشاری مشخص برای خروج آب نیاز دارند. به طور کلی توصیه نمی شود که مخزن واتر براش را با آبرنگ رقیق شده یا جوهر خطاطی پر کنید چرا که هر دوی این موارد ممکن است باعث گرفتگی قلم مو شوند. بسته به برند واتر براش (و اندازه‌ی ذرات موجود در جوهر) ممکن است بتوانید بدون اینکه مشکلی پیش بیاید قلم مو را با جوهر قرمز مایل به قهوه ای پر کنید.

واتر براش به اندازه‌ی قلم موی آبرنگی، در خود رنگ را نگه نمی دارد چرا که تارهای موی آن مصنوعی هستند و در نتیجه باید بیشتر آن را در رنگ بزنید. همچنین موهای این قلم مو مستعد رنگ گرفتن هستند (همانطور که در عکس می بینید) اما خود واتربراش به ندرت رنگ می گیرد.

یک واتربراش طراحی از رنگ تیره به رنگ روشن را بسیار ساده می کند: به طراحی ادامه دهید و آب اصافی رنگ را کمرنگ می کند تا اینکه تنها چیزی که باقی می ماند آب خواهد بود. اما طراحی نواحی بزرگ و یا حتی ایجاد تن رنگ با این قلم موهای نقاشی دشوارتر از قلم موهای سنتی است.

  1. کالر شیپرها

قلم موی نقاشی کالرشیپر

کالرشیپرها برای تکنیک های طراحی ایمپاستو و اسگرافیتو عالی هستند. آنها دارای نوک سفت اما انعطاف پذیری هستند که از سیلیکون ساخته شده است و از آن برای کشیدن رنگ به اطراف استفاده می کنید (مسلم است که آنها مثل قلم مو رنگ را به خود جذب نمی کنند). کالر شیپرها برای ترکیب پاستل ها نیز مفید اند. آنها در سایزها و شکل های متفاوت و درجه های سختی گوناگون موجود اند.

  1. قلم موی جلا دهنده یا وارنیش

قلم موی نقاشی وارنیش

عکس العمل ابتدایی شما برای داشتن یک قلم موی مخصوص که تنها برای جلا دادن طراحی از آن استفاده کنید ممکن است این باشد که این کاری بیهوده و افراطی است. چرا برای این کار از یکی از قلم موهای بزرگ تر خودتان استفاده نکنید؟ پرداختن به جلادهی طراحی یکی از آخرین کارهای است که باید به هنگام طراحی انجام دهید و اغلب نیز ممکن است برای آن دسته از طراحی هایی که فکر می کنید ارزش این کار را دارند در نظر بگیرید. بنابراین آیا کمی سرمایه گذاری در این زمینه ارزش این را ندارد که مطمئن شوید این کار به درستی صورت گرفته است؟

یک قلم موی جلادهنده به زودی کهنه نمی شود و برای همین لازم نیست خیلی آن را تعویض کنید. یک قلم موی جلا دهنده‌ی خوب به شما کمک می کند تا مطمئن شوید که یک پوشش مسطح از وارنیش ایجاد کرده اید. با استفاده از این قلم مو برای جلادهی، این وارنیش هیچگاه تن رنگی نمی گیرد.

برای این کار باید به دنبال قلم موی تختی باشید که حداقل دو اینچ (5 سانتی متر) پهنا، حدود 3 اینچ (یک سانتی متر) ضخامت و موهای بلند دارد. این موها می توانند مصنوعی یا طبیعی باشند اما در هر صورت باید نرم باشند و کمی خاصیت ارتجاعی داشته باشند.

حتما نمی خواهید قلم مویتان موهای تیزی داشته باشد و بر روی وارنیش رد بگذارد. دقت کنید که موها محکم باشند تا در زمانی که وارنیش را اعمال می کنید، کنده نشوند.

فروشگاه های بزرگ لوازم هنری یا فروشگاه های هنری آنلاین باید در انبار خود قلم موهای نقاشی وارنیش زیادی داشته باشند. آنها را انتخاب کنید و ببینید که تا چه حد در دست‌تان راحت هستند. همچنین در مغازه‌ی ابزارفروشی محله تان نیز می توانید به دنبال آنها بگردید اگرچه ممکن است لازم باشد کمی از موهای آن را بزنید تا ضخامت قلم مو کمتر شود. اطمینان حاصل کنید که از قلم موهای ارزان دست سازی که اغلب موهایشان به صورت پیوسته کنده می شود، استفاده نمی کنید.

  1. مسواک

مسواک به عنوان قلم موی نقاشی

نه اشتباه نمی بینید! این یک مسواک است و به فهرست تصویری قلم موهای نقاشی هنری تعلق دارد. مسواک یک قلم موی عالی برای پاشیدن رنگ به جهت ایجاد نقاط کوچک مثل نقاط روی موج ها یا آبشارها و یا بافت روی سنگ است. همچنین مسواک توانایی این را دارد که ب روی تخته ها یا سفال های سقف لکه ایجاد کند.

  1. قلم موهای تزئینی ارزان

قلم موی نقاشی تزئینی

یک قلم موی تزئینی ارزان برای اعمال بتونه یا پرایمر بر روی بوم مفید است چرا که نیاز نیست نگران تمیز کردن دقیق و زمان بر آن پس از استفاده از آن باشید. همچنین هر پرایمری که در داخل قلم مو بماند زمانی که خشک شود موها را به هم می چسباند. عیب این قلم موی ارزان این است که موهای آن زیاد کنده می شوند. این موها را با انگشت خود یا موچین بردارید.

  1. قلم موی استنسیل (شابلون)

قلم موی نقاشی استنسیل

قلم موی استنسیل گرد است و دارای موهای کوتاه و سفت و سر مسطح (به جای گرد) است. این قلم مو باعث می شود تا بدون اینکه رنگ از لبه های شابلون به داخل برود، آن را رنگ کنید. این قلم مو برای طراحی های ظریف مناسب نیست. این قلم مو توانایی ایجاد بافت را دارد و می تواند در طراحی شاخ و برگ درخت، قسمت های انبوه درختان و طراحی چمن، جای ته ریش بر روی صورت و یا زنگ آهن بر روی اشیا فلزی به کار برود.

  1. محافظ های قلم مو

محافظ قلم موی نقاشی

یک قلم موی باکیفیت اغلب به همراه یک محافظ پلاستیکی در اطراف موهای خود به فروش می رسد. این محافظ را دور نیندازید چون زمانی که مسافرت می کنید تا یک ناحیه را طراحی کنید و یا به کارگاه و تعطیلات می روید، برای محافظت از تارهای قلم موی شما مفید است.

منبع : https://www.thesprucecrafts.com

تئوری رنگ ها و هارمونی رنگ

دایره یا چرخه رنگ:
یک دایره رنگ اولیه که در آن رنگ های قرمز، زرد و آبی وجود دارند، در واقع دایره رنگ سنتی در هنرهای تجسمی حساب میشود . سر آیزاک نیوتون (Sir Isaac Newton) در سال 1666 اولین نمودار رنگ دایره شکل را به وجود آورد. از آن زمان تا کنون، دانشمندان و هنرمندان به مطالعه و طراحی نمونه های متنوع و مختلف این مفهوم (تئوری رنگ ها) پرداخته اند.

رنگ های اصلی:
در تئوری رنگ ها، قرمز، زرد و آبی رنگ های اصلی هستند زیرا دانه های رنگی تشکیل دهنده آنها از ترکیب هیچ رنگ دیگری به وجود نیامده و تمام رنگ های دیگر از ترکیبات مختلف و متنوع این سه رنگ با یکدیگر به دست می آیند.

رنگ های فرعی یا ثانویه:
سبز، نارنجی و بنفش رنگ هایی هستند که از ترکیب رنگ های اصلی با یکدیگر به وجود می آیند محل قرار گیری هر رنگ ثانویه در دایره رنگ، بین دو رنگ اصلی تشکیل دهنده آن میباشد.

رنگ های ترکیبی:
زرد- نارنجی، قرمز نارنجی، قرمز- بنفش، آبی – بنفش، آبی- سبز و زرد – سبز، این رنگ ها از ترکیب یک رنگ اصلی با یک رنگ فرعی به وجود می آیند و در اینجا هم، در میان دو رنگ تشکیل دهنده خود قرار می گیرند.

هماهنگی (هارمونی) رنگ:
هماهنگی یا هارمونی به معنای “چیدمان مطبوع اجزاء یک کل”  می باشد و وجود آن در تمام مظاهر زندگی از موسیقی، شعر، رنگ یا حتی یک کیک زیبا، جلوه می کند. از نظر دیداری، هماهنگی، در چیزی است که موجب لذت در چشم شود. این هماهنگی بیننده را مجذوب کرده و احساس نظم و تعادل را در او ایجاد می کند. هنگامی که چیزی ناهماهنگ است، یا خسته کننده است یا وحشتناک. از طرفی هارمونی بیش از حد نیز به ترکیبی بسیار ملایم و نچسب تبدیل می شود و بیننده را آن طور که باید مجذوب و شیفته نمی کند و بالعکس عدم حضور آن نیز تصویری به وجود می آورد که هیچ چشمی تحمل و تمایل دیدن آن را ندارد.
مغز انسان هر چیزی را که قابلیت سازماندهی نداشته و نامفهوم باشد، پس می زند. عمل دیدن نیاز مند یک ساختار منطقی است . و هماهنگی رنگی می تواند این علاقه به دیدن و حس تعادل را پدیدار کند به طور خلاصه، یکپارچگی مفرط موجب تحریک ناپذیری و پیچیدگی مفرط موجب تحریک بیش از اندازه مغز می شود. تعادل پویا، نتیجه حضور هماهنگی است.
برای مشاهده تعالی هارمونی و هماهنگی کافی است به هارمونی رنگ ها در در طبیعت دقت کنید. همان طور که گفتیم، تئوری های رنگ و هارمونی رنگی متعددی وجود دارند. در اینجا به معرفی چند فرمول ابتدایی در به کار گیری رنگ ها میپردازیم:

هارمونی بر اساس هم جواری رنگ ها:
رنگ های هم جوار (پیوسته) یا Analogous Colors، به هر دسته سه تایی از رنگ هایی گفته می شود که در دایره رنگ کنار یکدیگر قرار گرفته اند. مانند زرد-سبز، زرد و زرد نارنجی. معمولا در چنین ترکیب هایی، یک رنگ از نظر مقدار، بر دو رنگ دیگر برتری دارد.

هارمونی بر اساس رنگ های مکمل:
رنگ های مکمل آنهایی هستند که در دایره رنگ، درست در مقابل یکدیگر قرارگرفته اند. مانند قرمز و سبز یا قرمز- بنفش و زرد – سبز. همان طور که در تصویر مشاهده می کنید، درجات مختلف زرد-سبز در برگ ها، هماهنگی زیبایی با رنگ های قرمز-بنفش گل، ایجاد کرده اند. رنگ های مکمل بالاترین درجه تباین (کنتراست) و ثبات را به وجود می آورند.

هارمونی بر اساس طبیعت:
طبیعت، بهترین نقطه شروع برای درک و ایجاد هارمونی رنگی است. در تصویر پایین مشاهده می کنید که زرد، سبز و قرمز چه نقش هماهنگی ایجاد کرده اند و این ترکیب متناسب، لزوما در دو مورد قبل نمی گنجد، اما زیبا و قابل اجرا است.

رنگ‌بندی دوتایی

رنگ‌بندی «دوتایی» (Diad) از ترکیب دو رنگ با حذف رنگ میانی به دست می‌آید. تصویر زیر این ترکیب را به خوبی نشان می‌دهد.

رنگ‌بندی متساوی‌الاضلاع

در هارمونی ایجاد شده در قالب «متساوی‌الاضلاع یا سه‌تایی» (Triad)، رنگ‌ها از سه خانواده با فاصله‌ی برابر از همدیگر انتخاب می‌شوند. ترکیب این سه رنگ مانند تصویر زیر به شکل یک مثلث متساوی‌الاضلاع دیده می‌شود.

رنگ‌بندی متساوی‌الساقین

هارمونی «متساوی‌الساقین» (split-complementary) از ترکیب یک رنگ با دو خانواده‌ی هم‌جوار شاخه‌ی مکمل رنگ اصلی ایجاد می‌شود. مطابق شکل، رنگ‌های همسایه‌ی رنگ مکمل در کنار رنگ مورد نظر قرار گرفته‌اند. این هارمونی به همین دلیل از سه جزء تشکیل شده است.

در ادامه به شما پیشنهاد می کنیم مقاله ی آموزش ابتدایی طراحی با مداد را حتما مطالعه کنید.

منبع : https://www.colormatters.com

مونه چگونه مونه شد؟

با کلود مونه آشنا شوید

اسکارکلود مونه ( Oscar_Claude Monet ) در چهاردهم نوامبر سال 1840 در پاریس به دنیا آمده و هنگامی که پنج سال داشت، خانواده اش به شهر ساحلی لوهاور نقل مکان کرد. او تحصیلاتش را در این شهر آغاز کرد. هرچند معلمانش بیهوده تلاش می کردند تا او را به درس خواندن علاقمند کنند، مونه در یادگیری دروس موفقیت چندانی نداشت و به جای درس خواندن، کاریکاتورهای گستاخانه ای از آنان می کشید. مونه بعدها اعتراف کرد که در مدرسه جز هجی چند کلمه چیز دیگری نیاموخته استَ: «مدرسه برای من مثل زندان بود و ماندن در آنجا را حتی برای چهار ساعت در روز نمی توانستم تحمل کنم ، مخصوصا وقتی که دریا آرام بود و احساس می کردم آفتاب مرا به سوی خود می خواند.»

کلود مونه،مونه،نقاش امپرسیونیسم

سرگرمی مورد علاقه ی مونه پرسه زدن در طول ساحل و کشیدن کاریکاتور از توریست ها بود. در کاریکاتورهایش افراد را با بدنی کوچک و سری بزرگ می کشید و در نشان دادن بینی یا سایر اعضای صورت اغراق می کرد .او از فروش این کاریکاتورها،روزانه ده تا بیست فرانک به دست می آورد که مبلغی بیش از درآمد روزانه یک معلم بود.
هنگامی که مونه پانزده سال داشت ، صاحب یک فروشگاه لوازم هنری نقاشی های او را در ویترین فروشگاهش به نمایش گذاشت و از آن پس ، علاقمندان زیادی نقاشی تکچهره های فکاهی خود را به او سفارش می داده اند.
درک نقاشی
در ویترین این فروشگاه ، گاهی آثار هنرمندی به اسم اوژن بودن(Eugene Boudin) هم دیده می شد.بودن در مورد کارهای جدیدی که در فروشگاه گذاشته می شد کنجکاو بود و به دیدن صاحبان این آثار می رفت . او با دیدن کارهای مونه و درک استعداد و دید تیزبین او از هنرمند جوان خواست که برای نقاشی از طبیعت او را همراهی کند اما مونه که نمی خواست نقاش شود، تقاضای بودن را رد و مدت ها از وی دوری کرد. اما روزی با مشاهده ی بودن در حال نقاشی از طبیعت،گویی پرده ای از جلوی چشمانش کنار رفت و فهمید که «نقاشی چیست» و از آن پس اغلب بودن را در گردش های نقاشی همراهی می کرد.
در آن زمان، نقاشی در طبیعت و هوای آزاد کار هنری محسوب نمی شد. هنرجویان در مدارس هنری یاد می گرفتند موضوع تابلو هایشان را از وقایع تاریخی و افسانه ها برگزینند و در کارگاه نقاشی کنند؛ ولی بودن به مونه نشان داد که تمام این قواعد و نظایر آن بی پایه و اساس است. آن ها به اتفاق به دامن طبیعت می رفتند و از مناظر زیبا و تمامی آنچه در نظرشان زیبا جلوه می کرد نقاشی می کردند.بودن علاقه داشت آنچه را که در نگاه اول می دید روی تابلو ثبت کند، بی آنکه در کارگاه به تکمیل آن بپردازد. مونه به سبب تجربیات گذشته و تمرینات و سرعت عملی که در کار داشت، در نقاشی از بودن به راحتی تقلید می کرد، منتها دیگر، برخلاف کاریکاتور، در اینجا اغراق نمی کرد ،چون بودن اصرار داشت که نقاشی باید به طبیعت وفادار باشد. هنگامی که مونه هفده ساله بود یکی از نقاشی هایش در نمایشگاه شهرداری شهر لوهاور به نمایش گذاشته شد .تابلو منظره ای بود از محلی که برای اولین بار همراه بودن برای نقاشی به آنجا رفته بود.
امپرسیونیست های فرانسوی
در طول هشت سال بعد از آن ، مونه در پاریس به تحصیل هنر پرداخت ،در ارتش خدمت کرد با بسیاری از نقاشان آشنا شد، و کماکان همچون گذشته به نقاشی ادامه داد . از دوستان آن سال هایش می توان هنرمندانی چون پیر آگوست رنوار،کامی پیسارو، آلفرد سیسیله و ژان فردریک بازیل را نام برد. همه ی آنها سعی داشتند رویدادهای زندگی پیرامن خود را همان طور که می بینند نقاشی کنند .در این نقاشی ، هدف مطلوب آنها درک آن لحظه ی بسیار زودگذر مشاهده ی موضوع و ثبت نخستین اثر آنی آن بر تابلو بود.آن ها به تدریج آموختند که با نقاشی در فضای باز و نقش کردن زیبایی های طبیعت تصاویر زنده و پر نشاطی بیافرینند.راز کار این هنرمندان_ اگر بتوان رازش نامید_نه تمرکز روی رنگ منظره ،بلکه توجه معطوف به ثبت رنگ نور بود.
این رنگ کدام بود؟ خاکستری،طلایی، صورتی یا آبی؟به محض یافتن این رنگ،رنگ های دیگر به آسانی و با شکوه و زیبایی هر چه تمام تر نمایان می شدند. این نقاشان گروه امپرسیونیست های فرانسوی را تشکیل دادند که یکی از مشهورترین گروه ها در تاریخ هنر شد. سایر نقاشان فرانسوی با گسستن از سنت به آنها پیوستند. بعد هم نقاشان آمریکایی به این شیوه نقاشی کردند ؛ اسپانیایی ها و ایتالیایی ها نیز به آن ها پیوستند .مونه به عنوان رهبر گروه مورد ستایش قرار گرفت.ا لبته خود او خواهان چنین عنوانی نبود و حتی دیپلم افتخاری را که از طرف دولت فرانسه به او اعطا شد رد کرد.آنچه برای مونه در تمام هفتاد و پنج سال زندگی هنری اش اهمیت داشت وفاداری عمیق به درس های نخستین استادش،اوژن بودن،در عشق به نقاشی از طبیعت و فضای آزاد و دلبستگی به آن بود؛و حتی زمانی که نقاش مشهوری شد ، این عشق و دلبستگی را فراموش نکرد و بارها و بارها جعبه ی رنگ به دست و بوم زیر بغل و سه پایه بر پشت ،به سوی مکان های ساحلی ،همان مناطقی که بودن را برای نقاشی همراهی می کرد، میرفت.
شیفته دریا
مونه همیشه شیفته ی دریا بود.در جوانی اغلب از صخره های مشرف به اقیانوس بالا می رفت و راه های ناهموار ساحل بندر شلوغ اطراف محل سکونت خانواده اش را می پیمود.خودش در جایی گفته است:«دلم می خواهد همیشه در کنار دریا و در جوار آب باشم.»به مرحله ی نقاشی حرفه ای که رسید ،دیگر تقریبا تمام اسکله ها و سواحل آن منطقه را به خوبی می شناخت و نخستین موضوعات نقاشی اش همین مناظر آشنای همیشگی بود.

کلود مونه، شیفته دریا،امپرسیونیسم

بررسی چند نمونه از آثار مونه
نام اثر: باغی در سنت آدرس

باغی در سنت آدرس، مونه، امپرسیون،نقاشی امیپرسونیسم،امپرسیون طلوع آفتاب

مونه در تابلوی سنت آدرس(sainte-adresse) دریا را به گونه ای دیگر کشیده است.دریای آرام در این تابلو پس زمینه ی باغ خانوادگی را شکل داده است.پدر مونه روی صندلی چوبی اش رو به دریا نشسته و به منظره ی بندرگاه خیره شده است.تمرکز و حالت مقتدارنه ی او در نشستنش ،ایوان را مانند کشتی می کند که او به مثابه «کاپیتان» آن است.
در سال 1867 تمامی هنردوستان مبهوت ترکیب بندی این تابلو بودند و نمی توانستند درک کنند که چرا مونه ایوان را از مرکز تابلو دور کرده است.آنها اصرار بر این داشتند تا ثابت کنند که موقعیت دو میله ی پرچم (نامساوی بودن فضای سمت راست پرچم با فضای سمت چپ) دال بر چپ بودن چشمان هنرمند است.در صورتی که اگر نقاش فضای سمت چپ را مطابق فضای سمت راست تعیین می کرد و تمام موضوع را در در مرکز تابلو قرار می داد و قرینه سازی می کرد ،رنگ های سفید و قرمز و آبی پرچم فرانسه به حاشیه ی تابلو می چسبید.
دلیل مهم دیگر مونه برای ترکیب بندی نامتقارن این تابلو ،ایجاد فضای خالی وسیعی در اطراف پیکره ی پدرش است.هدف او از ایجاد این فضای خالی،نشان دادن تنهایی یک مرد نیست ، بلکه با این کار ، تفکری نو را در طرح تابلو جست و جو میکند.

صحنه ی نقاشی با خطوط عمودی و افقی قوی پر شده است .رنگ آبی- سبز افق و قسمت بالای نرده ی قهوه ای رنگ در پیش زمینه، عناصر افقی حاکم در تابلو هستند و همچنین میله های پرچم ،دو پیکره ی ایستاده، گلایل های قرمز رنگ و دکل قایق های روی دریا حرکت های عمودی را تشدید می کنند.مونه برای این که ترکیب را از خشکی برهاند و به آن تحرک بیشتری ببخشد،به یک خط مایل قوی نیاز داشت که از میان این خطوط افقی و عمودی عبور کند،که هیچ حرکت ملایم دیگری نمی توانست چنین کارایی داشته باشد.او برای این تاثیر از پیکره ی پدرش بهره گرفت.مسیر نگاه آقای مونه ی پیر خط فرضی مایلی را که مورد نظر پسرش بود پدید آورد.این خط مایل که با سایه ی بدن و صندلی دیگری در کنار آن تشدید شده ،ایوان و میله ی پرچم و نرده را قطع کرده و به سوی دورترین قایقی که در حال ورود به بندرگاه است امتداد می یابد.به این ترکیب بندی غیر عادی مونه با «نگاه کاپیتان»- چشم جست و جوگر مونه – متعادل شده است.
مونه عناصر روی ایوان را واقع گرایانه نقاشی کرده است تا ایوان مسطح به نظر برسد و امتداد آن به طرف دریا طبیعی جلوه کند.در تقایل با ایوان، دریا را با خطوط تیره ی سریع موجی شکل روی زمینه ی روشن تری کشیده است.دریا در این تابلو آن تیرگی دریای واقعی را ندارد و مثل پرده های مسطح دکور صحنه های نمایش به نظر می رسد.سمت چپ نقاشی ، روی ایوان، باغچه ی پر گلی به چشم می خورد .

نزدیک پدر مونه عمه اش سوفی زیر چتر آفتابی نشسته است.گردی شکل چتر آفتابی در دسته ها و تکیه گاه صندلی و باغچه ی بین او و زوج در حال گفت و گو تکرار شده است.حاشیه ی زیبایی که ایوان را محصور کرده است، از پشت سر عمه ی مونه شروع می شود؛ لباس کرم رنگ او در میان نقاط درخشان قرمز و زرد و سبز گل های اطراف ، چشمگیر است.

گل های آفتابگردان
مونه شیفته ی طبیعت و فضای باز بود و بیشتر آثارش را در هوای آزاد خلق کرده است.اما هنگامی که به دلیلی مجبور می شد خانه نشین شود، از هر آنچه در دسترسش بود نقاشی می کرد. موضوع نقاشی های او ممکن بود یک جعبه رنگ باشد یا تکه ای گوشت خام. درسال 1879 همسرش کامی از دنیا رفت و در سال 1881 مونه پدر خوانده ی خانواده ی جدیدی شد. از این پس هرگاه در خانه می ماند ، هشت بچه ی شاد و سرزنده او را دوره می کردند و حاصل این همجواری با بچه ها مجوعه تابلوهای شادی از گل ها شد.
مونه در سال 1878 خانه بزرگی در دهکده ی وتوی(Vetheuil) ، در خمی از رودخانه ی سن اجاره کرد.او این خانه را که حدود دو ساعت با ترن از ایستگاه سن لازار فاصله داشت به کمک دوستانش یافته بود. در این خانه، باغی از گل با پله های عریض و باریکه راهی که از میان گل های رنگارنگ می گذشت و با ردیف گل های آفتابگردان محصور می شد درست کرد. این تابلو ، دسته ای از گل های آفتابگردان را در یک گلدان چینی روی میز نشان می دهد و روی میز با پارچه ی ابریشمینی به رنگ قرمز و با حاشیه ی مربع شکل پوشانده شده است.

نقاشی گل آفتابگردان،نیلوفر آبی، کلود مونه

مونه که می توانست گلدان را در مرکز تابلو قرار دهد، برای این کار نظر برانگیزتر باشد آن را کمی دورتر برده و در سمت راست مرکز بوم قرار داده است.این امر باعث شده است تا گلبرگ های دو گل سمت راست با چارچوب بوم تماس پیدا کند .در سمت چپ هم گلی خود را به لبه ی بوم می کشاند .گل هایی که به سوی کناره ی تابلو کشیده نشده اند در میان برگ ها غنوده اند.این دسته گل با برگ هایی که به پایین سرازیر شده اند و با شکوفه هایی که خود را به بیرون تابلو می کشانند یا درون هم رفته اند، کانونی از نیرو و تحرک است.
مونه برای خلق تابلوی گل های آفتابگردان،با ضربه های کوتاه قلم مو لایه هایی از رنگ زرد و نارنجی و قهوه ای را روی هم نهاده و برگ های آویزان را با ضربه های بلند و قوس دار قلم مو نشان داده است.برگ ها با طیف متنوعی از رنگ سبز نقاشی شده اند و در بعضی از قسمت ها تقریبا نزدیک به رنگ سیاه هستند. مونه در این تابلو به دلیل فاصله ی کم با سوژه و دقتی که به تمام جزییات موضوع داشته است ، از همان ضربه های قلم مو، که در نقاشی از طبیعت و در هوای آزاد به کار می برد، استفاده کرده است.
نیلوفر های آبی
مونه در دوازده سال آخر عمرش به ندرت از خانه خارج می شد.حضور بسیاری از آمریکایی هایی که برای آموختن شیوه ی نقاشی امپرسیونیسم نزد او می آمدند ،دهکده را به حوزه ی جهانی نقاشان تبدیل کرد، اما مونه توجه چندانی به آن ها نداشت و غالبا سرگرم نقاشی بود. او در آن زمان برای نقاشی فقط به یک موضوع اکتفا می کرد: باغ ها و به خصوص برکه و گل های نیلوفر. مونه نقاشی هایش از برکه را «مناظر آبی» نامیده. این نمای شور انگیز از باغ آبی را در هفتاد و نه سالگی نقاش کرد .در این تابلو ،نه آسمانی در کار است نه افقی،موضوع آن هم با مناظری که او پیشتر کار کرده بود بسیار متفاوت است. در هیچ قسمتی از تابلو خشکی و حتی حاشیه برکه نیز دیده نمی شود؛ پهنای تابلو هم دو برابر نقاشی های قبلی اوست. مونه به کمک دستیارش بوم دو متری را به باغ می برد و در نزدیکی آب مستقر می کرد.

مونه در مورد مجموعه تابلوهای نیلوفر آبی نوشته:«تمام روز را روی تک تک بوم ها کار می کنم »به روش معمول خود سعی می کرد رنگ های گذرا را تشخیص دهد و تاثیر آنی نور در هر لحظه را ثبت کند. مونه گفته است که همیشه «اسیر چنگال طبیعت» بوده است. در آن دوره از نظر او درختان و آسمان در تابلوهای ایام گذشته اش تنها همچون تصاویری که در آب منعکس شده باشد به زندگی خود ادامه می دادند .برگ های سبز نیلوفرهای آبی که از نور آفتاب طلایی رنگ شده اند، با گل های قرمز درخشان و با شکوه از این سو به آن سوی برکه شناورند.

مونه در سال 1920تصمیم گرفت سال های باقی عمرش را به نقاشی دو دیوارنگاره از باغ های آبی مورد علاقه اش اختصاص دهد. او این عکس را جلو یکی از بخش های دیوارنگاره اش در کارگاه بسیار بزرگی که برای نقاشی ساخته شده بود گرفته است. عمر او کفاف نداد تا شاهد نصب این نقاشی ها در دو گالری بیضی شکل موزه ی اورانژری در پاریس باشد. موزه ای که هر ساله میلیون ها بیننده ی شیفته ی هنر از آن دیدن می کنند. نگاه کردن به این نقاشی ها همچون حرکت آرامی با قایق در میان دنیای خصوصی مونه است.

منبع:مونه چگونه مونه شد؟
ریچارد مولبرگر

10 نکته که راجع به اثر “دوشیزگان آوینیون” نمی دانستید !

دوشیزگان آوینیون در سال 1907 توسط پابلو پیکاسو کشیده شد. این نقاشی به گفته ی زیادی، بارزترین مثال نقاشی کوبیسم می باشد. در این نقاشی، پیکاسو از تمامی فرم ها و توصیف های نقاشی سنتی دوری کرده است . او از بدن های تحریف شده و کج و معوج زنان و اشکال هندسی در راه خلاقانه ای استفاده کرده است و همین باعث می شود این نقاشی، توصیفی ایده آل از زیبایی زن داشته باشد . همچنین تاثیرات هنر آفریقایی بر پیکاسو در این نقاشی، مشهود است .

این یک نقاشی بزرگ می باشد و اتمام آن حدود 9 ماه طول کشیده است. این اثر نبوغ واقعی و نوآوری در احساسات پیکاسو را نشان می دهد . او صدها طرح اولیه برای این کار کشید و سپس طرح نهایی برای این نقاشی آماده شد . بعضی از منتقد ها می گویند که این نقاشی واکنشی به ” تابلوی لذت زندگی ” و ” آبی برهنه ” از “هنری ماتیس” می باشد.

توصیف نقاشی :

شباهت عجیب آن به تابلو هایی مثل ” حمام کنندگان بزرگ “از” پل سزان ” ، مجسمه ی “اویری (Oviri )” از ” گوگن ” و یا “باز شدن مهر پنجم” از “ال گرگو” ، توسط منتقدان، در سال های بعد، بسیار بحث شده است . وقتی برای اولین بار در سال 1916 از این اثر رونمایی شد، از این اثر به عنوان یک اثر غیر اخلاقی یاد می شد ! او بعد از 9 سال کار بر روی این اثر، این تابلو را “فاحشه خانه ی آوینیون” نام گذاشت اما “آندره سالمون” که اولین نمایشگاه پیکاسو را سرپرستی کرد، این تابلو را به “دوشیزگان آوینیون” تغییر نام داد تا کمی از خشم و نفرت عمومی به آن کاسته شود. با این حال پیکاسو هیچ گاه نامی که سالمون برای این اثر انتخاب کرده بود را دوست نداشت و ترجیح می داد حداقل نام این تابلو ” دختران آوینیون ” باشد.

آموزشگاه طراحی و نقاشی مهرتاب
تهران، اتوبان ستاری، بلوار فردوس غرب، خیابان ورزی جنوبی، نبش کوچه ۱۵ متری غربی، ساختمان کوروش، طبقه سوم، واحد ۷
تلفن : 📞 09203870414 📞 44103917

شباهت عجیب آن به تابلو هایی مثل ” حمام کنندگان بزرگ “از” پل سزان ” ، مجسمه ی “اویری (Oviri )” از ” گوگن ” و یا “باز شدن مهر پنجم” از “ال گرگو” ، توسط منتقدان، در سال های بعد، بسیار بحث شده است . وقتی برای اولین بار در سال 1916 از این اثر رونمایی شد، از این اثر به عنوان یک اثر غیر اخلاقی یاد می شد ! او بعد از 9 سال کار بر روی این اثر، این تابلو را “فاحشه خانه ی آوینیون” نام گذاشت اما “آندره سالمون” که اولین نمایشگاه پیکاسو را سرپرستی کرد، این تابلو را به “دوشیزگان آوینیون” تغییر نام داد تا کمی از خشم و نفرت عمومی به آن کاسته شود. با این حال پیکاسو هیچ گاه نامی که سالمون برای این اثر انتخاب کرده بود را دوست نداشت و ترجیح می داد حداقل نام این تابلو ” دختران آوینیون ” باشد.

نگاه منتقدان :

در سال 1972، منتقد هنری “لئو استینبرگ” در مقاله ی خود به نام ” فاحشه خانه ی فلسفی ” ، توضیحات متمایز و ویژگی های جدیدی برای این اثر ارائه داد .او با استفاده از نقاشی های قبل ، که معمولا توسط دیگر منتقدان نادیده گرفته می شد، تصریح کرد که پیکاسو برداشتی رادیکال از زندگی زنانه داشته است. ترکیب این سبک ها با هم می تواند به عنوان یک تلاش عمدی برای رساندن مفهومی از سوی پیکاسو باشد. یک ترکیب محتاطانه که چشم بیننده را به آن خیره می کند .

او در مقاله ی خود نوشت که این پنج زن در حالتی جداگانه و بدون توجه به یکدیگر در این نقاشی قرار گرفته اند، گویی که هیچ کدام از وجود دیگری با خبر نیستند و بجای آن، چشم های هر پنج نفر به بیننده خیره شده است. تفاوت در حالات هر یک از آن ها نیز فقط تاکیدی بر خیرگی چشمان و دوچندان جلوه دادن آن دارد .

به گفته ی استینبرگ نگاه خیره زنان ، که انگار به بیننده ی خود زل زده اند، معنی یک زن خود مختار را می رساند که صرفا برای لذت تماشای مردان برهنه نشده اند . این موضوع را می توان به تاثیر نقاشی “المپیا” اثر “مانه” در سال 1863 بر پیکاسو نیز ، استنباط کرد .

ارتباط آن با سبک کوبیسم :

در طول سالیان اخیر، بخش عمده ای از بحث منتقدان در این نقاشی، به تلاش برای برداشت سبک های متعددی که در این اثر بکار رفته است، معطوف شده است . درک غالب این اثر، بیشتر توسط آلفرد بار ، اولین رئیس موزه ی هنر های مدرن در نیویورک سیتی و تنظیم کننده چند نقد فوق العاده راجع به این اثر، انجام پذیرفت. او می گفت که این اثر را می توان به عنوان اثباتی بر دوران گذار تخصصی پیکاسو معنی کرد، یک فشار برای بهم پیوند زدن کارهای قبلیش به سبک کوبیسم ، سبکی که پیکاسو به شکل گیری و طرح ریزی آن را در پنج و شش سال بعد، کمک شایانی می کند .

موزه ی هنر های مدرن در نیویورک سیتی، برگزارکننده ی نمایشگاه مهمی برای پیکاسو در 15 نوامبر 1939 بود که تا جنیوری سال 1940 نیز، بازدید کننده می پذیرفت. نام این نمایشگاه: “پیکاسو : 40 سال از هنر” بود که توسط آلفرد بار و با همکاری موسسه هنر شیکاگو اداره می شد. این نمایشگاه دارای 344 اثر از پیکاسو بود که شامل کار های قبلی او، نقاشی جدید او به نام “گرنیکا” و همچنین “دوشیزگان آوینیون” بود !

10 نکته که راجع به اثر ” دوشیزگان آوینیون ” نمی دانستید !

 

1- این نقاشی در سال 1916 به بازدید عموم گذاشته شد !

پیکاسو نقاشی ” دوشیزگان آوینیون ” را پس از اتمام در سال 1907 در کارگاه هنری خود در مونمارتر پاریس نگه می داشت، زیرا اکثر دوستان و همکاران او نقدی منفی بر این اثر داشتند . مردم برای بار اول توانستد این نقاشی را در سالن (Salon d’Antin ) در سال 1916 ببینند، هرچند که در سال 1910 تصویری از این نقاشی در مجله The Architectural Record  انتشار یافت .

2- در ابتدای رونمایی، استقبال چندانی از آن نشد !

مردم تا سال 1920 ، این شاهکار و اثر تاثیرگذار کوبیسم پیکاسو را نادیده می گرفتند. تا زمانی که آندره برتون مقاله و تصویری از آن به نام ” مردان وحشی پاریس : ماتیس ، پیکاسو و فوویسم ” به چاپ رساند.

3- آماده سازی آن 9 ماه طول کشید !

پیکاسو برای ” دوشیزگان آوینیون ” صد ها طرح و نقاشی اولیه کشید تا به طرح دلخواه خود در آن برسد . آماده سازی این اثر شاید برای پیکاسو بسیار فراگیرتر از زحمتی بود که یک هنرمند برای یک اثر هنری خود خرج می کند . اشتیاق و هنری که پیکاسو برای این اثر خرج کرد، بسیار بیشتر از دیگر کارهای اوست .

4- ماتیس در ابتدا ، واکنش ناپسندیده ای به آن نشان داد !

زمانی که همکار و رقیب او ” ماتیس ” برای اولین بار این اثر را دید، به طرز توهین آمیزی به آن واکنش نشان داد . ماتیس فکر می کرد که ” دوشیزگان آوینیون ” یک انتقاد به حرکات هنر مدرن بود و احساس کرد که پیکاسو این ایده را از ” نقاشی لذت زندگی ” و ” آبی برهنه ” او دزیده است ! او زن های نقاشی را “فاحشه هایی زشت” خواند !

5 – در این نقاشی اثری از “دیدگاه هنرمند” به چشم نمی خورد !

یکی از نکاتی که “دوشیزگان آوینیون” را بسیار انقلابی و خاص کرده است، حذف دیدگاه هنرمند در آن است . هیچ نقطه ی محوی در این اثر دیده نمی شود. در حقیقت جایی برای چشم وجود ندارد که بتواند فراتر از زنان و نگاه خیره آن ها، برود !

6 – این نقاشی، نقطه عطفی در حوزه ی هنر مدرن بود !

او با استفاده از اشکال هندسی و زوایای تند، بر خلاف رسم و رسوم هنر سنتی حرکت کرد که در آن اشکال انسان ها تعریف شده اند، آناتومی آن ها یک شکل و یا بسیار عاشقانه تعریف می شوند .این اثر ، نقطه عطفی در حوزه ی هنر مدرن بود !

7 – الهام گیری از هنر پیشینیان و اولیه ، کاملا در آن مشهود است !

ماسک های نقاشی، علاقه ی وافر پیکاسو به هنر پیشین و اولیه را می رساند . این علاقه تنها از هنر آفریقا سرچشمه نمی گیرد بلکه بیانگر استفاده از هنر های باستانی عبری و یا هنر مدرن و امروزی اسپانیا و پرتغال نیز می باشد.استفاده از اشکال ساده، طرح های زاویه دار و اغراق در خصوصیات چهره که در هنر های اولیه به چشم می خورد، در بازسازی این شاهکار کاملا مشهود است .

8- او در طرح های اولیه نقاشی، از یک مرد در سمت چپ استفاده کرده بود !

در طرح های اولیه “دوشیزگان آوینیون ” بجای زن سمت چپ، یک مرد دانشجوی پزشکی بود که درحالیکه جمجمه ای در دست دارد، وارد فاحشه خانه می شود . اما پیکاسو پس از مدتی آن را با یک زن عوض کرد زیرا فکر می کرد وجود یک مشتری در فاحشه خانه می تواند عنصر روایت و دیدگاه دیگری به این اثر اضافه کند که باعث کاهش تاثیر معنایی نقاشی شود .

9- پیکاسو عمیقا از کار های ” گوگن ” الهام گرفته بود !

پیاکسو عمیقا از نوشته های پل گوگن  و نمایشگاه او در سال 1906 ، الهام گرفته بود. مجسمه ی گوگن از الهه ای به نام (Oviri)، به پیکاسو این الهام را بخشید که روی سرامیک و تکه های چوب نیز نقاشی کند. مورخان هنر، استفاده ی پرصلابت گوگن از هنر پیشینیان را در کارهایش، به عنوان انگیزه و الهام اصلی پیکاسو در ” دوشیزگان آوینیون ” بر می شمارند .

10 – نام این اثر می تواند شما را به اشتباه بیندازد !

در نام این اثر ” آوینیون ” به نام شهری در پروانس فرانسه اشاره نمی کند بلکه به خیابانی در بارسلونا که فاحشه خانه های زیادی در آن وجود دارد،اشاره دارد !

منبع : https://www.pablopicasso.org/avignon.jsp

10 نکته که راجع به اثر “مونا لیزا” نمی دانستید !

مونالیزا، یا همان لیزا دل ژکوند ،همسر فرانسسکو دل ژکوند می باشد. این نقاشی با رنگ روغن بر روی چوب سپیدار نقاشی شده است . سایز اصلی این نقاشی 77 در 53 سانتی متر است و صاحب آن هم اکنون دولت فرانسه می باشد و بر دیوار های موزه لوور پاریس در فرانسه جای گرفته است .

نقاشی این زن که در لباسی از زمان فلورانس است و در منظره ای با چشم انداز و کوهستانی نشسته است ، نشانگر استفاده ی فوقع العاده ی لئوناردو داوینچی از تکنیک اسفوماتو  بر ” مدل سازی سایه “است . این حالت مرموز مونالیزا در نقاشی، که هم از طرفی جذاب و هم از طرفی مرموز و سرد می باشد، به این نقاشی شهرت جهانی بخشیده است .

توصیف نقاشی :

لبخند مونالیزا ،توصیف تصویری از حالت خوشحالی است که در ایتالیا با نام ” جیوکاندا ” (gioconda) توصیف می شود. داوینچی این حالت خوشحالی را مایه ی اصلی این نقاشی قرار داده است و اگر راستش را بخواهید همین مفهوم خوشحالی، این نقاشی را بسیار جاودانه کرده است.

همینطور طبیعت پشت سر مونالیزا نیز نقشی مهم در این اثر بازی میکند گویی مردمان کمی در این فضا زندگی می کنند، می توانید جاده ی پر و پیچ و خم و یک پل را در قسمت میانی اثر مشاهده کنید . این فضا بیانگر فاصله ی جایگاه مدل و فاصله های دور می باشد، درست جایی که منظره تبدیل به یک فضای وحشی و غیر قابل سکونت می شود . جایی که پر از صخره ها و آب های خروشان می باشد که گویی تا افق امتداد می یابند، درست در نقطه ای که داوینچی، هوشمندانه، چشم های مونالیزا را نقاشی کرده است .

نوآوری در نقاشی :

این نقاشی جزو اولین کار هایی بود که مدل را در فضا و چشم اندازی خیالی به تصویر می کشد و داوینچی نیز جزو اولین نفراتی بود که از مناظر هوایی و دور استفاده میکند . تصویر این زن مرموز که در مکانی مانند یک گالری سرباز که در هر دو طرف آن ستون هایی تاریک وجود دارد، نشسته است ، کشیده شده است . پشت سر این زن یک چشم انداز وسیع به چشم می خورد که به طرف یک قله ی پوشیده از برف حرکت میکند. راه های پر پیچ و خم و پل هایی در دور، نشانه ای اندک از حضور انسان ها در این مکان می دهد .

پیچ خوردگی مو های مونالیزا و نوع لباس او که از طریق تکنیک اسفوماتو کشیده شده است، با دره ی های پر پیچ و خم و رودخانه های مواج پشت سر ترکیب شده اند و اثر آن را بر بیننده چند برابر می کند . نمای کلی مبهم و تار، صورتی ملیح، تضاد دراماتیک روشنی و تاریکی ها، و در کل انتقال حس آرامش به بیننده از ویژگی های متمایز نقاشی های داوینچی است . به سبب این تلفیق هنری که داوینچی از مونالیزا و چشم انداز پشتی به دست آورده است، این بحث بوجود آمده است که نقاشی مونالیزا باید به عنوان یک نقاشی سنتی بر شمرده شود ، زیرا این نقاشی بیشتر یک معنی را می رساند تا نقاشی یک زن واقعی !

احساس توازن کلی در این اثر کاملا مشهود است، علی الخصوص در قسمت لبخند اندک مونالیزا،که ارتباط دوباره ی انسان و طبیعیت را به تصویر می کشد.

دوران رنسانس :

در دوره ی رنسانس ، هنر به معنی دانش بود، هنر به معنی حقیقتی بر زندگی بود : لئوناردو داوینچی در آن زمان شخصیت تاثیرگذار و بزرگی محسوب می شد زیرا او با جسم دادن به تلاش های حماسی هنر ایتالیا توانست به قله های ارزش جهانی برسد . گویی او در وجود خود توانسته بود نوسان ظرافت و حساسیت هنرمند را با دانشی عمیق، ترکیب کند . او یک شاعر و استاد خبره بود.

ویژگی های این اثر:

در نقاشی مونالیزای او، خلق زیبا و عجیب طبیعت در چشم انداز پشتی ، موجب تحسین بینندگان شده است. این نقاشی از محدودیت های اجتماعی فراتر رفته و به یک معنی جهانی دست پیدا کرده است و این در حالی است که  داوینچی در این نقاشی تنها از هنر نقاشی و شاعری خود استفاده نکرده است و به عنوان یک محقق و اندیشمند به آن نگاه کرده است.

اما جنبه ی اصلی آن یعنی نوآوری بی سابقه، نگرشی با شکوه و افزایش شأن و رتبه ی مدل، تاثیر شگفت انگیزی بر نقاشی های دوره ی فلورانس در 20 سال بعد داشته است . با این نقاشی مونالیزا ، داوینچی یک فرمول جدید را بوجود آورد . چگونه در نقاشی خود ، همزمان مبهم و زنده باشیم ؟ چگونه اجزای نقاشی خود را هنرمندانه با هم ترکیب کنیم و در عین حال آن را بسیار شاعرانه تر از پیشینیان خود توصیف کنیم ؟

قبل از این اثر، نقاشی ها از کمبود ابهام رنج می بردند . نقاش ها فقط شکل بیرونی را به تصویر می کشیدند و توجه ای به روح اثر نمی کردند . اگر هم جنبه ی روحی آن را در نظر می گرفتند، فقط آن را از طریق حرکات، اشیا نمادین و یا نوشته ها به نقاشی تزریق می کردند . اما مونالیزا یک نقاشی مبهم و در عین حال زنده است. روح کاملا در نقاشی به چشم می خورد ، اما غیر قابل دسترس است !

 

10 نکته که راجع به مونا لیزا نمی دانستید !

 

1 – این تابلو در دستان فرانسیس اول ، لوئی چهاردهم و ناپلئون نیز بوده است !

 

اگرچه داونیچی کار بر روی این شاهکار را در سرزمین مادری خود یعنی ایتالیا آغاز کرد ، اما اتمام نقاشی با مهاجرت او به فرانسه به درخواست فرانسیس اول بوده است . پادشاه وقت فرانسه این تابلو را در کاخ مجلل خود در فانتین بلو آویزان کرد، جایی که برای یک قرن در آن ساکن ماند . بعدها لوئی چهاردهم آن را به کاخ ورسای برد. در ابتدای قرن 19 ، ناپلئون بناپارت آن را در اتاق شخصی خود نگه می داشت !

2 – این یک نقاشی است اما بر روی بوم نقاشی کشیده نشده است !

 

مشهورترین اثر داوینچی بر روی یک تخته چوب صنوبر ( سپیدار ) کشیده شده است . با توجه به اینکه او نقاشی های بزرگتر خود را روی گچ های مرطوب می کشید، انتخاب تخته های چوبی برای کارهای کوچکترش کار عجیبی نبود! بوم های نقاشی از قرن چهاردهم برای هنرمندان موجود بود، اما بسیاری از نقاشان رنسانسی تخته های چوبی را برای نقاشی های کوچکترشان انتخاب می کردند .

3 – این نقاشی حالا در اتاقی مخصوص به خود در موزه ی لوور نگه داری می شود !

 

پس از آنکه موزه ی لوور یک دوره نوسازی 4 ساله به مبلغ 6.3 میلیون دلار در سال 2013 را برای این نقاشی آغاز کرد، این نقاشی حالا یک اتاق مخصوص به خود دارد. این اتاق دارای یک سقف شیشه ای می باشد که اجازه می دهد نور به صورت طبیعی از آن عبور کند. یک قاب شیشه ای ضد ضربه نیز از آن مخافظت می کند و دمای آن را روی 43 درجه سانتی گراد تنظیم کرده است . همچنین در این اتاق نورافکن هایی وجود دارد که کمک می کند رنگ واقعی داوینچی در اثرش به بینندگان القا شود .

4 – چشم های مونا لیزا !

 

مردم با ایده و نظریه های مختلفی به این اثر نگاه می کنند . بعضی از آن ها واقعی و بعضی نیز کاملا احمقانه اند! در سال 2010 ، یکی از اعضای کمیته ملی میراث فرهنگی ایتالیا اعلام کرد که با بررسی های میکروسکوپی در این اثر، به کشف جدیدی دست یافته اند . در چشم سمت راست مونا لیزا ، عبارت (L.V) مخفف (Leonardo da Vinci) حک شده است !

5 – بانوی اول آمریکا در سال 1961 ، از رئیس جمهور وقت فرانسه درخواست کرد که این نقاشی مدتی در آمریکا بماند !

 

در طول قرن های اخیر، مسئولان فرانسوی اجازه ی خروج این شاهکار را از کشور به ندرت صادر کرده اند . گرچه زمانی که جکی کندی همسر جان اف کندی، از رئیس جمهور وقت فرانسه” چارلز دوگل” خواست که مونالیزا برای مدتی به آمریکا بیاید، او با این درخواست موافقت کرد . این اثر مدتی در گالری ملی هنر در واشنگتن بود و سپس برای مدتی نیز در موزه ی هنر متروپولوتین در نیویورک سیتی آویزان شده بود .

6 – یک سارق این اثر را معروف تر کرد !

 

اگرچه در تمام دنیا، نقاشی و اثرهای هنری یک شاهکار خاص تلقی می شوند و برای همگان دارای احترام می باشند، در تابستان 1911، ” مونالیزا” توسط یک سارق دزدیده شد! این خبر سرقت، توجه همگان را به خود جلب کرد. روزنامه های سراسر دنیا راجع به این سرقت نوشتند. زمانی که نقاشی دو سال بعد به موزه لوور بازگشت ، تمام دنیا از این خبر خوشحال بودند !

7 – پیکاسو یکی از مضنونین سرقت بود !

 

در طول بازجویی و بررسی این سرقت ، ژاندارمری فرانسه بسیار جدی عمل کرده و حتی بازجویی از هنرمندان شناخته شده مثل پیکاسو را نیز در دستورالعمل خود قرار داد! آن ها حتی شاعر بزرگ ” گیوم آپولینر” را مدتی بازداشت کردند زیرا او قبلتر گفته بود این نقاشی باید سوزانده شود ! ژاندرمری فرانسه بعد از دستگیری سارق فهمید که سوءظن آن ها به هنرمندان دیگر کاملا بی پایه و اساس بوده است .

8 – مونا لیزا هرساله هزاران نامه از طرفداران و دوست داران خود دریافت می کند !

 

از زمانی که این اثر در سال 1815 به موزه لوور در پاریس رسید، مونالیزا نامه و گل های زیادی را از طرفداران و دوست داران خود دریافت می کند! او حتی صندوق پستی مخصوص به خود نیز دارد !

9 – اما هرکسی ” طرفدار ” او نیست !

 

چند مورد از آسیب زدن به این اثر، در طول سالیان اخیر گزارش شده است و گزارش سال 1965، بدترین آن ها می باشد! در دو حمله ی جداگانه ، یک شخص مقداری اسید به نقاشی میپاشد و دیگری نیز با سنگ روی آن می کشد ! این آسیب در نقاشی به ندرت دیده می شود اما هنوزم قابل تشخیص است . در سال 1974، حمله با اسپری رنگ و در سال 2009 نیز، پرتاب یک فنجان قهوه توسط بازدیدکنندگان، ارزش این اثر هنر را به خطر انداخت اما به لطف شیشه ی ضد گلوله، آسیبی به آن وارد نشد .

10 – این اثر ” غیر قابل خرید و فروش ” می باشد !

 

واقعا روی این اثر نمی توان قیمت گذاری کرد! بر اساس قوانین میراث فرهنگی فرانسه این اثر “غیر قابل خرید و فروش” می باشد . این اثر به عنوان بخشی از کلکسیون موزه ی لوور شناخته می شود و به همگان تعلق دارد. به قول خودشان ” قلب آن ها به مونالیزا تعلق دارد ” .

منبع : leonardodavinci.net

روش های شستشو قلمو

چند روش برای شستن قلمو

 

شستن قلمو با حلال که برای رنگهای مختلف متفاوت است.

1_برای رنگهای پایه آب مثل اکرلیک، آبرنگ و رنگهای پلاستیکی فقط از آب استفاده کنید.(بعد از کار با رنگ اکرلیک سریع قلمو راشستشو دهید که بعد از خشک شدن رنگ به هیچ عنوان پاک نخواهد شدن،در حین کار با رنگ اکرلیک هم در وقفه هایی که دارید قلمو را در ظرف آب بگذارید.)

2_برای رنگ لاکی از الکل استفاده کنید.

3_برای رنگ روغن از تینر یا نفت استفاده کنید.

_تربانتین قلموهایتان را نجات خواهد داد و مانع از چسبیدن و خشک شدن موهای آن به هم  می شود.تربانتین یکی از پرطرفدارترین حلال های رنگ روغن است که برای رقیق کردن رنگ های روغنی و شستشو قلمو به کار می رود.

_وایت اسپریت حلالی چند کاره می باشد که مناسب برای پاک کردن رنگ روغن و قلمو است ،سریع تبخیر می شود و از تربانتین کم بو تر است.

نسبت به نوع رنگ،حلال مورد نظر را انتخاب کنید و در یک کاسه بریزیدسپس با حرکات قلمو به کناره های ظرف تا جاییکه امکان دارد آن را تمیز کنید.

برای رنگ روغن بعد از استفاده از حلال، قلمو ها را با مایع ظرفشویی یا نرم کننده لباس یا صابون بشویید.

سپس با تکان دادن قلمو آب اضافی آن را بگیرید سپس موهای قلم را به شکل طبیعی خود در بیاورید و آن را برعکس از دسته در جا قلمی قرار دهید تا از دفرمه شدن آن جلوگیری کنید.

_استفاده از سرکه (برای قلمو های خشک شده و رنگ های مقاوم)

قلمو را یک ساعت در سرکه خیس کنید.در یک قابلمه یا ظرف آهنی این کار را انجام دهید.آنقدر سرکه بریزید تا تمام موهای قلمو داخل سرکه باشد.اگر بعد از یک ساعت به راحتی توانستید موهای قلمو را خم کنید آن را در بیاورید ولی اگر نتوانستید یک ساعت دیگر بگذارید خیس بخورد در غیر اینصورت قلمو را کمی با سرکه بجوشانید.

چگونه یک چوب تکیه گاه ( Mahlstick ) بسازیم و از آن استفاده کنیم ؟

چوب تکیه گاه، ( mahlstick) می تواند تغییرات زیادی را روی سه پایه و بوم ما ایجاد کند . در این مطلب به طرز ساخت و چگونگی استفاده از آن می پردازیم.

چوب تکیه گاه ( mahlstick یا maulstick ) یک جور ابزار پشتیبان برای نقاش است و زمانیکه روی بوم های سه پایه و یا تابلوهای بزرگ، کار می کنید، به تکیه گاهی برای شما تبدیل میشود . اگر قبلا از این ابزار استفاده نمی کرده اید و با آن آشنایی نداشته اید، استفاده از آن ها، تغییرات اساسی را در تکنیک های نقاشی شما به وجود می آورد !

چوب تکیه گاه، یکی از ابزار نمادین هنری می باشد که از یک کلاهک نرم و روکش درست شده است. این ابزار سودمند رو به هیچ وجه دست کم نگیرید زیرا به سبب کارایی آن ها درتکنیک های مختلف، در بسیاری از موارد هنری، از آن ها استفاده می شود . در پایین به چند نکته راجع به آن ها اشاره خواهیم کرد :

1 – بخش های تشکیل دهنده چوب تکیه گاه ( Mahlstick )

چوب تکیه گاه معمولا از سه بخش اصلی تشکیل شده است : 1 . دسته ای بلند و نازک شبیه به عصا، که نقاش می تواند دست و یا مچ خود را به آن تکیه دهد . 2 . یک توپ چوب پنبه ای، تقریبا اندازه ی یک توپ پینگ پونگ ، که دقیقا بالای دسته قرار گرفته است . در هنگام نقاشی یا آن را روی بوم و یا بالای 3 پایه نقاشی قرار می دهند . 3 . یک تیکه چرم محافظ که روی توپ چوب پنبه ای آن می کشند تا از خراش، کشیده شدن رنگ و دیگر آسیب ها به نقاشی زیبای شما جلوگیری شود .

2- چگونه چوب تکیه گاه خود را بسازیم ؟

برای ساخت چوب تکیه گاه، از یک چوب میله ای بلند، برای دسته ی آن، استفاده کنید . بالای آن را یک توپ چوب پنبه ای قرار بدهید . سپس روی آن را با یک تیکه چرم بپوشانید و کمی پایین تر از آن را گره بزنید تا سر جای خود بماند . توجه داشته باشید در انتخاب جنس دسته، سراغ چوب هایی که قدرت تحمل کافی ندارند نروید و سعی کنید از چوب های میله ای صاف برای دسته آن، استفاده کنید . در زمان نقاشی، این دسته، بیشترین وزن را تحمل می کند، پس انتخاب درست آن، امری ضروری است .

3- طرزقراردهی چوب تکیه گاه روی بوم و سه پایه

شما می توانید چوب تکیه گاه را روی بوم نقاشی و یا با کمی جابجایی، آن را بالای 3 پایه نگهدارنده بوم نقاشی خود، قرار دهید . نگه داشتن آن روی 3 پایه به شما اجازه می دهد تا آن را در زاویه های مختلف قرار دهید و ریزه کاری های کوچک را با دقت بیشتری انجام دهید . به یاد داشته باشید تا دست خود را زیاد به این چوب تکیه ندهید زیرا ممکن است نقاشی شما را خراب کند .

4 – تکنیک های نقاشی با استفاده از چوب تکیه گاه

می توانید از چوب تکیه گاه به عنوان ابزاری برای کشیدن خط راست و تکیه گاه استفاده کنید . توپ آن را بالای بوم و صفحه خود قرار دهید و با دستی که با آن نقاشی نمی کنید، دسته ی چوبی آن را به شکل قائم تنظیم کنید.

سپس قلمو یا ذغال خود رو در امتداد دسته ی چوب تکیه گاه، قرار دهید و خط راست خود را بکشید . شما می توانید از این تکنیک در هر زاویه ای، برای خلق خط های مورب و افقی، استفاده کنید .

 

منبع : https://www.creativebloq.com/how-to/level-up-your-painting-skills-with-a-mahlstick

آموزش ابتدایی طراحی با مداد

 مرحلۀ اول – طرح اجمالی یا کلی

با مداد اتود مجهز به مغزی H که آن را نه مثل نوشتن بلکه در کف دست با انگشتان می گیرید، طرح اجمالی مدل را رسم کنید .سعی کنید حرکات دستتان آزاد و از ناحیۀ شانه باشد.در این موقع حواس خود را متوجه شکل های کلی کنید.جزئیات و ریزه کاریها را بعدا اضافه کنید.این مرحله را بارها و بارها تمرین کنید.

مرحلۀ دوم – طراحی خطی

برای پیشرفت در طراحی خطی پر احساس نیاز به وقت و تمرین دارید.برای این کار از مداد H یا F استفاده کنید.با مداد، هم به صورت نوشتن و هم به صورت گرفتن در کف دست تمرین کنید.در شیوۀ گرفتن مداد به کف دست، خطهای پهن را با بغل و خطهای نازک را با نوک آن رسم کنبد. خود را هر چه بیشتر ورزیده سازید تا بتوانید گردی و بُعد را با خطهای پر احساس نشان دهید.

نحوه گرفتن مداد به کف دست
نحوه گرفتن مداد در دست در طراحی

مرحلۀ سوم – سایه های مقدماتی

برای کسب موفقیت در سایه زنی، اول باید شکلها را به صورت صاف و با دقت زیاد خاکستری کنید.سایه ها را با خاکستریهای متوسط و با ظرافت کامل ایجاد کنید.از همان مرحله اول سایه های تند بوجود نیاورید.پس از اطمینان ،سطوح خاکستری را با فشار بیشتر بر مداد یا انتخاب مدادی نرمتر می توانید تیره تر کنید.نوک مداد را برای ایجاد سایه های نرم و صاف؛ تخت کنید.

آموزشگاه طراحی و نقاشی مهرتاب
تهران، اتوبان ستاری، بلوار فردوس غرب، خیابان ورزی جنوبی، نبش کوچه ۱۵ متری غربی، ساختمان کوروش، طبقه سوم، واحد۷
تلفن : 📞 09203870414 📞 44103917

مرحلۀ چهارم – اتمام

در سایه های نهایی تا حدی از مداد پر رنگ تر استفاده کنید.با نوک تخت مداد ، سایه های یکدست را بوجود آورید. مراحل سایه زنی را با تکرار لایه های متعدد بر روی هم دنبال کنید تا به تیرگی دلخواه برسید.خطها را در ضمن ادامۀ کار تقویت کنید .در پایان برای دادن حالتی هنری به کار چند ضربه موثر با مداد به طراحی وارد کنید.

منبع: چگونه از چهره طراحی کنیم؟

آندره لومیس